令人細味的橫山家之味

只是一家人吃一頓飯，發生在12小時內的一套電影，全是普通尋常百姓家生活細節的描述，甚有生活況味‧我總有一萬個不滿意你的理由及原因，我總有一萬個理由去對你們撒野，我總有一萬個理由去實現我的理想，我總有一萬理由去隱藏我的憂鬱，請你們不要觸犯我，你有一萬個理由惹人厭，但我總有欣賞你的時候，我有一萬個理由不想對你們坦白，因為我認為要以這樣的方式和你們生活下去，即使我已犯了一萬樣過失‧

如果你是這樣想，亦有被片中的生活片段所觸動的話，請了解一下導演拍此片時的心情，這是導演是枝裕和在母親去世後所拍攝的，作為他對母親最祟高及真摯的懷念，如果仍有機會再表達對父母的愛多一點，請爭取你的時間‧赤子本無罪，奈何時間不留人‧

故事由家中的三個兄弟妹們因為大哥的死忌日，他們又回到父母親家中一再聚而展開，失業的古畫收復家二子帶著結過婚妻子和她的小孩回去，開診所的退休醫生父親，他又再次把當年對兒子當醫生的希望又再次寄託在孫子身上，他看似閒散在家中不聞不問，其實仍關心他們的一舉一動，包括他們生病的鄰居，另外扮演著家中橋樑的女兒，一家人表面看似吵吵嚷嚷，但對彼此表達著深厚而真摰的感情，就因這次的重聚，雕刻了一幕幕令人難以忘懷的印記。



這個鏡頭太捧了，不用對白便交代了，三代人望著海，各有各人生的冀望


兒子用欣賞的眼光，看著已退休的父親很著緊地詢問鄰居的病況


這裡令我想起小時候傍著母親煮飯的情景




小時候我在母親旁幫手弄蘿蔔糕



畢生難忘事，快樂少年時

長江七號 - 不好看？是受到我們感知的內在圖形影響嗎？

上圖可視為鴨子，亦可視為兔子。近代天才哲學家維根斯坦利用鴨兔歧義圖形旨在說明，人類的感知並不是一個客觀的過程。它在表明影響人類感知的是我們創造的內在圖形，而不是對象所創造的外在圖形。

我看過很多的評論，說長江七號不好看亦不好笑，周生在本片亦沒有進步及創新，甚至有人說，如果因為是周星馳的出品我們就說好看，這就近乎是麻木了。

我就是因為某些人的評論而遲遲都未看長江七號，但當看到不到30分鐘的時候，我就想起了維根斯坦所提及的鴨兔歧義圖，亦高興看到同星馳的企圖。

如今的一代，被豐富的物質世界蠶食了，精神及心靈世界卻空洞，一切的娛樂活動都源於物質。 小狄在他的外在世界，面對各種形式的物質誘惑，有慾望有追求，其間有失望有失落，卻又遺忘了最安慰人類心靈內在本質的東西，可以是那無價又不需消費的愛與親情。當爸爸離世了，他哭著並借詞把老師推出門外，這一幕我真的很動容，他關上了門說他疲累了要睡覺，沒錯就是疲於外在的世界，他就是要回到他和爸爸那個殘破不堪的家，儘管爸爸及他在外都不如意，這卻是他們心靈世界內的唯一歸宿，一個無價的家，最終最能安慰他的就是那張爛床、那台爛風扇及那間爛屋。我們可以用錢去買一間屋，任你如何都無法用錢去買回一個家。

父親常對兒子說要好好讀書，將來要做個有用的人。別人說本片不怎好笑，因為周生在本片根本就是不苟言笑，我認為他在教育這母題上是非常的認真，一個民工疲於奔命為生計，只有希望兒子有出頭的一天，在這個拜金主義的社會，他能無限付出給兒子的就只有父愛。

周星馳這次的野心大了，面對著十幾億人口，透過電影去表明我們大多數人都被物質世界污染了，把爾虞我詐的成人世界搬到小朋友的生活裡，這是很殘忍的。小朋友在嚴重的階級觀念社會內，一次又一次無可避免地被欺壓及凌辱，看著一眾小演員七情上面表演著成人的世界裡，那些可惡的咀臉，好笑嗎？周生根本的意旨並不止於此，他透過電影狠狠的鞭撻著這個社會。我認為本片一如西遊記，有待時間去平反。

Om Shanti Om ﹝2008年香港電影節﹞

導演:Farah Khan

昨天和Agnes一同在香港電影節看了此片，很開心今次選對了片，我已很久沒有感受到在戲院熱鬧氣氛如此的電影了，觀眾笑聲連連,散場後觀察拍掌共兩次達幾分鐘，以這樣的反應，相信明年電影節當局會安排多些印片參與。 有關此部電影，Agnes http://agnesvaria.blogspot.com/　和臺灣的樂多 http://blog.roodo.com/azure372　都有很詳盡的描述，我在此只補充個人的感受。 說回電影，這次的歌舞(Bollywood Fusion)和音樂實在太好了，對於不認識印片的香港觀眾，SRK 真的大顯身手，六塊腹肌及勁歌熱舞，我認為，連城城的舞技都不及他的1/3，令我巴不得快點到下星期三的印舞堂。而片中的歌有五首歌都是由Shaan唱的，而他就是我們在msl的網友第一次版聚時，我在印度餐廳所播放Bollywood歌曲的歌手。 近期我在上瑜伽堂，因此看多了有關印度教及瑜伽思想的書籍，亦明白到業報與輪迴(karma)在印度文化是不可少的一部分。 輪迴轉世，是受前身的精微慾望的軀使，加上生前從事的活動所提供，各種物種才被創造出來，而每一軀體都有其特定的感觀所長，Om 前生一直想成為 Om Kapoor， 因前生所做的好事，令他下世真的轉世為Om Kapoor。當然，電影是有一定的戲劇效果．

我近期在看有關印度文化的資料，如有錯漏，請各方朋友立即指正。以下是我對Ｏｍ　Ｓｈａｎｔｉ　Ｏｍ所理解的內容，如有出錯，請不要客氣地指正我。Ｓｈａｎｔｉ這個字的意思是＝ｐｅａｃｅ‧而Ｏｍ就非常長編，我盡量簡單易明地寫出來。

對於OM一字(其實是音節)，如果問瑜伽導師，都會有不同的答案‧在上瑜伽堂前，我們都會唱頌三次OM來開始一天的練習，亦會在完成練習時唱頌OM來完結。曾經有導師說那是宇宙原本的聲音，亦有說是給予力量的聲音，亦曾經有說OM并沒有宗教意思。我在看瑜伽的書籍有幾種解釋。OM=AUM是神的聲音，在AUM中包含了印度教中信奉的三大神。A表示作神毗濕奴(Vishnu)，存在於我們的肚臍部份.‧U表示作濕神婆(Shiva)，是守護神，存在於我們的胸口位置。M代表印度教中至高無上的梵天(Brahma)，祂是毀滅神亦是創造神，祂毀滅舊的又創造新的，存在於我們的頭部頂即頂輛。當歌頌OM即呼喚這三大神，將我們和這三大能量連接一起，我們身體內部存在很多空間，每天24小時中，我們身體一直在創造一些聲音，如果在冥想方面有所造就的話便會聽到，這種聲音和AUM很相似，一言蔽之，在AUM這個發音中是包含很多東西，在印度習練瑜伽的人把AUM當作是神，是一種超能量。
(瑜伽大師Br. Rudra Dev 在純粹瑜伽一書內的解釋) 可以在這個大陸網址購買其著作。
http://search.dangdang.com/.

“我是吠陀(Veda),曼陀(Mamtra)中的音節(OM”) –主奎師那(Krishna)《薄伽梵歌》7.8
按照奧義書中的說法，OM是至尊者主奎師那(Krishna)的聲音代表，是用聲音形式展現出不具人格特徵的梵。盡管大多數人認為OM或AUM沒有明確意義，但它是由梵文全套字母中第一個元音A，最後一個元音U，及最後一個子音M所組成。因此被認為是”可以傳達一切真理的梵文詞”。此外，據說A代表清醒意識狀態，U代表睡夢時的意識狀態，而M代表沉睡時的意識狀態，因此AUM代表總體意識。在印度靈性傳統中，AUM被視為是神秘音節pranava或omkara，因此有明確的外士納瓦(毗濕奴教派信徙)含意。字母A(a-kara)是指主奎師那-沒有起始的開始和一切能量的源頭。字母U(u-kara)是指茹阿妲茹阿妮-至尊主的靈性快樂力量及一切神性力量的化身。M(ma-kara)是所有生物(jivas)，他們本該為至尊主奎師那(Krishna)服務，因此對外士納瓦(毗濕奴教派信徙)來說，OM代表靈性能量的總和與總體，以及一切的存在。
(The Hidden Glory India –Steven J. Rosen的中文翻譯版的瑜伽的故事中有此解釋)。
可以在以上同一個的大陸網址購買其著作。

注:
1)吠陀(Veda=印度傳統文獻)，是印度人傳統知識的所有經典，其中著作很多，包括阿龍爾(Ayurveda)是古老的醫藥自然療法及占星學，亦有哲學。 自古至今印度教徙透過閱讀經典來獲得有關宇宙一切的神秘知識。是印度傳統的文化知識的來源。

2)曼陀(Mantra=吟唱)印度教徙通過吟唱曼陀來表達對主奎師那的愛。

3)主奎師那(Krishna)是印度教中的至尊主，很多人誤會印度教是滿天神佛，其實印度教是一神論的宗教，而那幾千萬的神明全都是由主奎師那(Krishna)所擴展(avatar)展示不同化身而來，為完成不同使命而降臨物質世界，亦包括展示給祂的奉獻者進行種種情感交流。

4)至高無上的梵天(Brahma)是至尊主的非人格特徵的展示，是無處不在的。

5)茹阿妲是存在中的首位女神，是主奎師那的伴侶，有文獻記載，奎師那比作太陽，而茹阿妲則是月亮，兩者同時存在，本質上他們是一個個體的神，為了交流感情而擴展為兩個不同的個體。

6)《薄伽梵歌》及《奧義書》也是經典的吠陀文獻。

Tag Writing

Anges的邀請, 來一次的Tag Writing, 這一次是電影的題目, 當然是較為吸引的題目
1. 你今年最常去哪一間戲院睇戲？百老匯電影中心
2. 你最喜歡哪一位導演？實在太多
3. 你最喜歡哪一位演員？蘇菲碼素
4. 今年哪一齣電影最令你驚喜？美麗新世界
5. 今年哪一齣電影最令你失望? 無
6. 你有沒有試過看戲看到流淚? 有
7. 你會不會一個人去睇戲? 當然會
8. 你最近看了哪一齣電影?艾慕杜華新作<浮花>, 十分好看!
9. 你最想哪一位去世的導演復活再拍戲? 愛森斯坦.....好想知道如今蘇聯已解體,在無政治壓力下,他會有怎麼樣的發展,況且他實在太命短.
10. 你最喜歡哪一套外語電影?Children Of The Paradise 1945年作品,將有聲電影,無聲電影,戲劇,默劇,作了一次很有價值的類比,也是一次不同藝術的比較和探索,各演員都表現出色.
11. 你最喜歡哪個國家的電影?無所謂,只要是好的作品都會看
12. 你最喜歡哪首電影的主題曲?無
13. 你最珍惜的VCD或DVD電影收藏是?沒怎樣收藏,反而有關電影的書本卻有很多
14. The worst movie that you have seen...?在太多!
15. 如果讓你選一套戲拍續集，你會選...?光倒流70年,要讓男女主角永遠在一起.
16. 你覺得自己最似哪部片的人物？情尋貓腳印WhenThe Cat Away,我以前都幾似那位女主角,現在當然不似了
17. 翻看最多次的電影是哪一部？芳芳.
18. 如果有一個演員可以「從此消失不再拍戲」，你會選誰？鄭秀文
19. 如果容你改寫一部電影的結局，你會改哪部？無
20. 哪幾部你最想看、而未有機會看過的電影? 一戰後瑞典學派的電影,例如名演員史約史特洛姆在1916至20年代初所導演過的電影.

性女貞德（Johanna）

或者有關聖女貞德事跡的電影，我們看過不少了，故此導演來了一次大破格，故事發生在不知名的國度，地點是深不見底又不見天日的一所醫院。（這卻充滿了政治隱喻，因為我們真的看不清那所醫院的內部結構是怎樣的。）醫院裡其他人均沒有姓名，除了 Johanna。她大難不死，卻以身體來慰藉那些病危的人。她是否行她認為的公職？其實只有她才有資格去批判自已，因為無論是500年前的那個已被封聖女的貞德在處於當時的道德標準下，和現在標準都已不一樣，我們亦不知道500年之後的道德標準又會是怎樣。

而全片最神來之筆的又充滿隱喻的鏡頭，就是她在醫院被殺後，被套進入一個膠袋內，然後被人們通過一個神秘的出口，很快地被掉了出去，被送到集體火葬場。天使般的歌聲有一句歌詞，當一個殺人犯總好過做一個聖人。

片子以音樂劇形式放進電影的格局裡去。看上去似是音樂劇，卻是電影感甚重的一部片子，長鏡頭運用準確，豐富了全片的節奏感。情節流暢，時而舞臺劇，時而電影，雖不算新意，但全片流暢好看。而開場的一段真的不可以錯過，因為導演和大家開了一個玩笑！

愛神 － 三個短編的故事

王家衛－手

王導演一次很有故事性的鈙事方式，倒序開場的那一段已經把女主角的經歷說得很清楚不過了。有關華小姐的去向，小張當然地希望對老闆只是一個真實的謊言罷。關於這次的美術指導，一貫忠於60年代的佈景和衣著，我的小時候也住板間房，我可從沒有留意那個綠色是這樣的美，其實板間房也有杏色的。我的鄰居也有說上海話，說國語的外省人，他們也穿帶入時，吃要講派頭，住也要派頭，但我從沒有見過華小姐那些漂亮的長衫。那一堆她未穿過的，那會是小張畢生的寶貝。一針一線都會是思念，所有華小姐的記憶，都因一針一線穿連而起的。其實我從沒怎樣喜歡過王導演的戲，只因故事人物的性格外冷內熱，我找不到共鳴。而只這一次，算是我最喜歡他的一部電影,男女主角的關係，一開始就注定沒結果的，連追逐的機會都沒有，小張對華小姐，華小姐相對於她的男人也一樣，而小張與華小姐關係中最寶貴的并不是情與慾，而是那找不緊的點點片段和回憶。

史提芬蘇德堡－夢

看到內容有關夢的影片，對於我來說感覺卻是很真實的，天曉得為甚麼我每天都會造夢，內容不一定會次次都記得很仔細，但那些夢帶給我的似斷還亂的感覺卻可以圍繞很久很久，有時亦很困擾的。

如果夢是真的反映著現實的話，那我們又何須理會那些千奇百怪的夢？只要反過來看便可以的了，那不需要去看心理醫生了。

醫生說在他的夢裡的那個電話是代表著外界的一個象徵，在夢裡他的太太(那位女子)並沒有替他接電話，那是否說在作夢時他仍寄掛他一切的責任和工作呢？他的焦慮和壓力全都反映在夢裡，他找不到釋放焦慮症的門檻，在夢裡仍惑壓力重重，醒來之後便一臉迷惑。

如果我的夢亦是這麼容易解釋，我倒很有興趣想知道為甚麼在我出發前往澳門的前幾天，我竟然發夢成了Soler的一員！

走過前蘇聯時期集體農場的歲月 ─ 豐收時光

杜甫仁科的《土地》讓我們感受了杜氏以飽滿的熱情，描述貧農與大自然的相互關係，富農在階級鬥爭中被纖滅的必然性。塔可夫斯基的《鏡子》，讓我們走過其一段集體農場時期個人的重要回憶。



導演 M．拉芝華畢堅娜是否有足夠能力，捕捉先輩們對大地以詩化的歌頌，前蘇聯某段歷史回憶沉痛的印記？這點似乎并不影響我觀看此片的感覺，雖然她并不能見證當時歷史的某一段，畢竟要超越或達到杜氏或塔氏的非凡詩化的功力，似乎幾渺茫，但藝術上由來的相亙影響，她已足夠有能力把當時集體農場裡農民的生活，以其對光線敏感的捕捉技巧，具體地印記了一個完整的故事，讓我們走過前蘇聯歷史中，某一段重要的歲月，某一個家庭的生活狀況。這是不著重故事性的先輩們未曾做過的。



有關前蘇聯時期的集體農場的資料

戰爭的控訴 ─ 德國零年(1947)

描寫納粹德國凶殘暴行的影片，有大家熟悉的《舒特拉的名單》、《鋼琴戰曲》等，似乎人們只關注到猶太人在德軍的魔爪下如何久延殘存。對於戰爭中受盡苦難的人民的經歷，意大利導演羅西里尼在１９４７年已經完成了他的「戰後三部曲」－《羅馬，不設防城市》（１９４５）、《游擊隊》（１９４６）及《德國零年》（１９４７）。

是次選映他的《德國零年》，導演離開了新寫實主義電影的故鄉意大利，以寫實的鏡頭描準戰後的德國。戰爭的苦難，苦了的畢竟是無辜的人民，戰爭不僅令人民陷入饑餓及貧困，還使成長中的兒童心理畸形扭曲。主角只是個小孩，在困苦的景況下，他如何處置久病不起又無用的父親呢？他自己的命運又如何？此片拍攝於意大利新寫實主義的全盛時期，對戰爭作出極大的控訴。

史匹堡告訴我們亂世中有英雄，波蘭斯基卻說不要亂世，而羅西里尼更痛斥侵略者是亂世的根源。

詳情：

德國零年（Germania Anno Zero） 導演：　羅西里尼 意大利／德國／法國 １９４７ 黑白 ７１分鐘 意大利語配音 英文字幕

導演簡介：
羅西里尼（１９０６－１９７７）──生於意大利的羅西里尼，父親和祖父都是著名的建築師。少年時期對機器感到興趣，常埋首在自己的實驗室。高中畢業後，他突然對電影感到興趣，所以放棄上大學而進入了電影界，開始做一些佈景的工作，之後他學習了攝影和剪接。

「他寧可犧牲光滑而追求真實，用普通人代替演員，用實景代替佈景，用即興的創作代替預先編排好的場景，用現實生活代替虛構。」麥斯特在【電影簡史】中這樣評論羅西里尼。直覺、信念、智慧使他的電影真誠及坦白，反法西斯鬥爭的洗禮使他的影片與對社會的責任及良心緊密聯繫，這更突顯了戰爭時期藝術堅強的一面，伸張正義，發人深省，又震撼心靈。

新寫實主義電影的發展由來：
法西斯在二次大戰末日落西山之際，文學與電影興起了一種寫實的趨勢，使意大利電影工作者預見得到一種新電影的來臨。１９４５年初，墨索里尼遭到處決，意大利終於得到解放了。各行各業的人欲拋棄過去的生活，各政黨組成一個聯合政府，目標在於以自由思想作為新意大利的基礎，電影工作者躍躍欲試地希望為這個被稱為「意大利春天」的時代作見證，新寫實主義終於來臨。

新寫實主義電影的主要特徵：
渴求真實，人們渴望從墨索里尼的「神話」中釋放出來。導演從攝影棚的佈景，把攝影機移到大街小巷，鄉間小路，盡量採取自然光線。少用專業演員。描述最普通的人的生活，如殘破家園的士兵、失業工人、農民、小孩、為生活苦幹求生的人。簡單清晰的敘事，使觀眾投入及察覺種種一切日常生活之美。長鏡頭的運用，減少導演的主觀性。盡量以拍攝紀錄片的方式拍攝，省略式的情節呈現出互無因果相關的事件，令人無法得知那裡是重要的場面。傾向開放式的結局，更引發觀眾的深思。

而一系列的作品之中，我們仍可看出兩種風格及表達上的分別。羅西里尼是以「觀點」出發，擅於進行哲理的思考和展現廣闊的社會圖景，更偏向悲觀主義的色彩。而第昔加是以「情感」作為出發點，以個別人物的命運來顯現當時的歷史背景。

新寫實主義重要的作品：
第昔加的《孩子在注視我們》、《擦鞋童》、《單車竊賊》和《Umberto D.》（風燭淚），維斯康提的《沉淪》、《大地在波動》，Blasetti 的《雲中四步曲》，還有羅西里尼的《戰後三部曲》等等。

新寫實主義電影對意大利的影響：
而當新寫實主義電影即將完成其歷史重任之際，意大利出現了擅於描述中產與上層階級的電影創作者費里尼和安東尼奧尼。最初他們亦是從事新寫實主義電影的創作。到了５０年代，他們開始以極難理解的複雜性，代替了新寫實主義那顯而易見的鮮明性的敘事方法，為社會寫實及曖昧心理的電影，提供了一道內在心理的深遠模式。

新寫實主義對日後電影的影響：
６０年代法國新浪潮及美國「新荷里活」的出現，我們將會在討論會中討論這一點。

《德國零年》的討論：
1. 一個侵略者的結局，一個死城由零開始；
2. 人物的關係；
3. 主角在片末１４分鐘發生的事。

室內劇電影 The Last Laugh (1924)

Murnau 在拍了幾套恐怖片之後，并不安於拍攝一種類型的片種。他繼２０年代德國表現主義電影後，便拍攝了在德國興起的另一電影流派「室內劇」。

引用世界藝術史，有關室內劇 Chamber drama film 的形式：「這是描述小商人，農民，工人等小人物的生存狀態和命運的一類影片。室內劇電影的內容與情節帶有民主成份，但它并沒有對法制基礎進行認真的批判，只是出於生存本能而生的一種自然反抗，所以不免帶有悲觀主義和宿論的傾向，室內劇電影更多以的是運用自然主義的手法，而不是批判現實主義的手法，而故事一般局限在一個狹小的空間裡，劇中人物亦盡量小，這就要求導演和劇作在制作電影時要利用小道具的作用，詳細地設計劇中人物性格，演員演出要嚴肅，動作亦要簡單及自然。」

而然 Murnau 在這部影片裡，是按照室內劇嚴格的規定，例如無對白（主角亦沒名字），情節簡單，故事發生時間及地點，但又推翻了室內劇的一些標準，開闢了走向社會批判之路，走向現實主義。

故事以一位老人由酒店門衛被降職為地下室洗手間的工人，以往身穿有外號看上去神氣又令人尊敬的大褸，卑微的職業似乎亦較高人一等，亦受到周遭的人們的羨慕及尊重。言而被降職後，老人家開始由不能接受以致最終精神崩潰，因為脫去代表「尊嚴」的外衣，令他認為要對作為一個人應有的尊嚴告別。

故事真的簡單到不得了，因為沒對白(亦沒字幕)，故事的安排及交待是要導演有力的拍攝的手法來鈙事。

鏡頭每當映著老人穿著起神氣的外套時，得意洋洋的樣子，鏡頭明顯是從下往上仰拍，仿佛對老人表示尊稱，但當映著老人在地下室洗手間洗地時的樣子，鏡頭明顯從上往下俯拍，仿佛老人在此變成一個被受屈辱及一個渺小可憐的人。

說真的，這位老人家的演出及表演，也教我一直感動及不安的。另有一場的表現，老人靜靜從服裝間偷回外套穿回家，就是不想家人發現他被降職或對他卑視，而當家人最終得釋老人被降職後，周遭人的譏笑和咀瞼的鏡頭，這些動作的安排對表達老人的難為處境，對觀眾而言是對主人翁有深深的同情，亦同時令觀眾為他難過起來。

還有一場，老人大醉後的一場夢境，鏡頭的搖搖晃晃以鏡頭代表老人醉眼看世界，老人在夢裡又看到自己穿上外套的樣子，真真假假，到早上清醒過來時卻是面對的現實的世界，這個動作的安排更加深了觀眾對他的同情，也就更加為他難過起來。

本片結尾，本來就是以老人家重回地下室，精神崩潰為告終的。但影片的制作人 Karl Mayer 卻多加了另一個結局。給老人一個絕處逢生的機會，這樣大大沖淡了這部片的悲劇意義，但最滑稽是片尾竟然加了字幕註明這一點用意，增加這個結局的原因，是因為對主人翁的同情，制作人給他一個好的結局而已。

本來洗廁所和門衛的兩種職業，階級分別會有很大的分別嗎？而做洗手間清潔的還會有客人打賞的小費，收入也就更多了，作為貧窮的一群，這應該更加高興的。

但導演卻在此片，著力渲染低下層階級裡兩個被認為卑賤的職業，把門衛和洗手間的清潔工人，地位上的差別，如何以「因一件外套」的分別，用鏡頭活生生地閃現了出來。

當然觀眾亦不會天真地去想，導演為何用這兩個低下層職業來說故事，因為這兩個職業本來在階級上的分別，并不是有如導演描述得那麼的大，這似乎不很合邏輯。

但只要細心想想，在外套下的本是同一個人，同一個階層的人，為什麼地位會因一件外套而變？這是 Murnau 一套值得令人思考的深層意義的影片。

這片是我在０４年看過二十多部默片之中，最深深打動我的一部，亦有一種力量令人追尋自我價值的意義和位置。

詮：
「室內劇」是源於北歐。因北歐豐富的劇場傳統，１９世紀中期以後，挪威的易卜生 (Henrik Ibsen) 和史特林堡 (August Stindberg) 使北歐的戲劇揚明世界，兩位作家都具有一種追求幻想和表現主義的特色，他們的劇作也時常借由複雜的象徵，用以暗示劇中人的一種複雜的心理狀況。史特林堡更發展出一種稱之為「室內劇 Chamber play」的心理戲劇。德國受到北歐的影響，２０年代後期的發展了「室內劇」電影，但只發展了幾年後并沒有再繼續。其後這種室內戲場的表現方式，（細小的房間為背景，著重演員的表現，使觀眾非常靠近演員）有兩位電影工作者，明顯帶著這種戲劇特色於電影的創作，那便是後來我們熟識的英瑪褒曼和史約柏格。

Letters to Ali 給阿里的信

推薦指數:＊＊＊＊半

羅卓瑤攜著ＤＶ引領著我們參與她移民澳洲十年難得的感動之旅，澳洲是唯一一個西方國家對難民採取禁閉式政策。女西醫與阿富汗少年阿里通信１８個月後，決定一家橫越５０００里路去禁閉營探望他。導演從報上看到這編報導，因女西醫對難民的關注而深受感動，決定帶著ＤＶ同往，要把故事及現今澳洲對難民的政策拍攝下來。

無可厚非影片都帶著女性的感性及觸角，藝術從來都是觸動人們的感性并非理性，影片播了一半已聽到有人在飲泣，片末我們還不知道阿里申請上訴的結果，但導演以一組很漂亮的大自然景象以鏡頭去表達她對阿里的上訴帶點樂觀的寄望，她在天空看到 Dragon mother carries her baby home，看到這裡我再也忍不住了。

我總認為電影的表現（或其他的藝術表現），在任何技巧之前，良知及真誠都必須先行。很高興看到香港出身的導演在電影題材上的轉向及改變。

而最後電影在澳洲公映後，引起各方的關注，基於人道立場，阿里最終幸運地獲得特赦，可以在當地永久合法居留，所謂人道的理由，可會是因為影片帶來的的哄動，政府強加的一個理由？因為在禁閉營裡面大約有２００個兒童，有很多和阿里一樣，父母及家人仍在阿富汗，生死未卜亦無法聯絡上，要特赦的理應不只阿里一個吧？唉！所謂文明社會的人權制度。

Vento di Terra 風搖地動

推薦指數：＊＊＊＊＊

低下層的一家四口，收入本來都不夠糊口，父親心臟病突發死去，從此姊弟及母親為了生計各自四散。弟弟明白家裡貧困的環境，被迫與女友分手。眼看母親在半夜起床車衫幫補家計，情不得已走去搶，但宗教家庭的教誨，良心不安下又豈容有第二次？

小弟踏上當兵之路，寄望來日會有更好的生活，在訓練期間，母親被生活迫得精神崩潰了，姊姊又去了老遠的地方打工，小弟從科索沃回來後不幸地改變了一生。

本片調子本是沉重的，一家三口本來可以加鹽加醋加煽情去博觀察的眼淚，但導演卻沒有從煽情方面著手，反而是以精簡的對白，從人物及環境著手描述，簡化的鈙事。更不用長編大論，大費周章去說戰爭，但反而得到更深的反思效果，「窮人真的老是去打別人的杖嗎？」

越簡化的拍法便越難拍，本片只８０多分鐘，對白不多，更沒提及打仗，便拍出背後重要的點子.

電影節的小畫冊子上的引言提及此片不也正是維斯康堤６０年的 Rocco e i suoi fratelli 一片內幾兄弟的困窘？我反而曾經看過有些報導，提及當年維斯康堤拍罷此片後，曾說過「如果不能做到刻畫現實社會和環境，就不是嚴肅認真的鈙述。」我認為這更貼近導演拍攝 Vebto Di Terra 風搖地動的態度。

塔可夫斯基的《盧布耶夫》

八個段落由一幅自然景致拼湊的美麗畫象開始。一個農民載著理想乘坐氣球往天空飛去，從天空朝下看，掠過地面上的一片片的稻田，灣灣的小河，歡呼的人們，自由奔馳的牧群。農民與氣球最終墜落在湖邊。一只馬匹摔倒了，翻一翻身又站立了起來。影片也就這樣向著理想邁進而展開了。很喜歡這首尾呼應的結幕，《三聖象》亦是由鏡頭拼湊而成的。看罷了此片，在我腦內漂起了莫大的思考，這些散亂式的思潮延了好幾天，一如影片那樣是要我拼拼湊湊地去想。影片主人翁遭遇了一次又一次尋求真理的思考，那是個人內心的一種莫大的掙扎和衝擊，他迷途了嗎？他迷亂嗎？墮落在迷網的深淵。信念能否一直堅持？真理的存在是如何理解的？能夠理解的又有多少？真理又在何方？又如何去尋找？

盧布耶夫是一位畫家，亦是一位修士，當他離開了修道院，他開始了前往莫斯科的旅程，那竟是一次極之重要的思想之旅。

他看到異教徒的行徑，他迷惑了。人們在審判一名有罪的人，把他釘上十字架。韃靼人在弗拉基米爾城的教堂內的洗劫，為了拯救一名傻啞的姑娘他因而殺了一名士兵。他還可以有責任及能力去完成《最後的審判》的壁畫嗎？他眼看蒼生，因此沉痛得從此說不出話來。因為真理再不只是聖經上的金句，不是由人朗讀出來註釋的，他在從痛苦中的生活經歷體驗了真理的存在及生命的意義，以及上天賦與天才應有的責任。

他的隨從基里爾曾經因妒忌而離去，至最後看到盧布耶夫對自己的天份的埋沒,他自己想畫亦苦無天份，最後他心痛地懇求盧布耶夫重執畫筆。但苦無結果。

當盧布耶夫看到鮑利斯卡哭訴著說，他的父親是一個吝嗇鬼，并沒有傳授他鑄鐘的技術，他把學識帶進墳墓裡去了。當他得釋鮑利斯卡是靠個人的信念及堅持去完成了建造整座銅鐘的艱辛過程。當銅鐘鳴響了，亦同時敲響了盧布耶夫沉睡已久的心靈，他終於獲得了一次人生重要的啟發。一個少年對信念的堅持，最終都能完成其應付的責任及使命。在我看來，那顯然是一個神蹟。魯布耶夫最後明白了一位天才要付的應有責任及其應有的使命感，只有通過堅定及永垂不朽的信念，才能明白在履行使命過程中所承擔痛苦的必然。（我相信這也是塔可夫斯的想法。）

我看過了塔氏７部長片，他描寫大自然或者人們生活上體驗，往往借用了大自然最基本最原始的景象去引發觀眾去觀察及思考的，然而在奧妙的大自然環境之中，人與自然環境的關係，你能夠被啟發多少便領悟多少，那其實是很個人的。在盧布耶夫此片中，運用了最簡單直接的描述，馬匹摔倒後翻翻身很自然又站了起來，那是最自然不過的現象，沒甚麼大不了。魯布耶夫在沉默的期間，為何又不可以翻翻身又站起來呢？共勉之！

Kobie